Review

THEATRE MOMENTS 劇評

【2013年第4回せんがわ劇場演劇コンクール『パニック』審査員講評】
演劇ジャーナリスト 徳永京子氏

THEATRE MOMENTSの『パニック』はオーディエンス賞の受賞が納得できる、完成度が高い作品だったと思います。さっき言った批評性を持ってほしいという私の要望に対して、私見では8劇団のなかでは1番それがあったと思います。技術的にも内容もこなれていて、言ってしまえば非常に手練れで上手いのですが、上手さが嫌味になっていない。それは、常に自分たちがやろうとしていることに対して内省や問いかけを繰り返しているからだとわかりました。きちんと現代性について考えられているのも素晴らしいと思いました。安部公房さんの作品は、今、下手に手を出すと古く感じてしまうのですが、THEATRE MOMENTSさんは安部公房作品が2013年にも通じることをちゃんと証明してくださいました。カラオケの曲目にAKBを選んだというようなことだけではなく、時代のキーワードが細かく検証されて入っていると思いました。消費とか浪費を表現するのに、トイレットペーパーを使っているのもよかったです、トイレットペーパーは汗で破れやすいのに、その危険をおかしながら非常に上手く使いこなしていて、スキルの高さを感じました。

http://www.sengawa-gekijo.jp/information/post-8.html


【2014年メルボルンフリンジフェスティバル 「PANIC」】
1:アンドリュー・フルーマン評

ケンジントンのRevoltにて上演された「パニック」の公演期間はあまりに短かったため、残念なことに多くの人々は、この驚くほど身近な政治風刺劇を見逃してしまっただろう。

日本の作家・劇作家、安部公房の短編を原作にした「パニック」の物語は、ある朝目覚めると居間に死体を発見してしまう失業者についてである。当惑した彼は、警察を怖れ、逃亡を図る。後に彼は死体が「パニック・エコノミクス」という怪しげな企業が仕組んだ手の込んだ入社試験の一部であったことを知る。この企業が作るのは恐怖、そして得意先は政府。これ無しに政権が大衆迎合的で厳格な法秩序強化に説得力を持たす方法があるだろうか?

この作品は素晴らしく、荒削りな演劇であり、その不条理なエネルギーは陰謀論的なおとぎ話を主張ある物語へと昇華させている。

日本の劇団(シアター・モーメンツ)とマカオの劇団(Godot Art Association)が共同制作したこの作品は明らかにドイツ・ポストドラマ演劇的である。しかし、恐怖を利用した政治の手法に対する分析は今日のオーストラリアにとってこれ以上なく適切だろう。

かつて「フリンジ」という言葉は政治的演劇という意味を持っていた。今日のメルボルンでは「自己表現の為の低予算の実験」と同義であり、さらにはスタンダップコメディという意味合いも強くなりつつある。それはそれでよいが、今でも真剣に、そして問題に向き合おうとするかつてのフリンジを再発見するのはとても爽快だ。

翻訳:K.K

http://dailyreview.com.au/andrew-fuhrmanns-melbourne-fringe-festival-round-up-3/13131/#.VC_SOANX8Xo.facebook


2:ステファニー·リュー評

日本のシアター・モーメンツとマカオのGodot Art Associationの共作による「パニック」はノーベル文学賞候補にもなった安部公房による、犯罪が引き起こす意外な顛末について描いた暗い短編をオブジェクトシアターの手法を使って舞台化した作品である。小道具をトイレットペーパーとショッピングカートのみに制限することで想像力にはトレーニングが加えられ、同時に演者たちが英語、広東語、日本語と言語を変えることが(英語字幕は壁に投影される)意思の疎通と解釈にひと味加えている。人間がたてる物音を使った音響と台詞を混ぜ合わせ、そこに無駄を省いた照明と誇張された表現および動きを加えることにより、「パニック」はほとんど何も使わずに生き生きと活気あふれる世界を作り出すことに成功している。陽気でありながら、おどろおどろしくもあり、楽しくありながら示唆に富んだ作品である。

翻訳:K.K

http://themusic.com.au/arts/reviews/2014/09/26/melbourne-fringe-panic/


3:マイロン・マイ評

『シンプルでエレガント、ソウトフルで洗練』

本年のフリンジフェスティバルでオーストラリア初演を迎える「パニック」を制作、上演するのはマカオのGodot Art Associationと日本のシアターモーメンツ、原作はノーベル文学賞の候補にも挙がった日本の小説家安部公房の短編である。

物語はある企業の就職試験を受験し、死体の横で目覚めることになる男を巡って展開する。ここから、悪夢が始まり、彼は自分の人生が崩壊するのを目の当たりにすることになる。安部の多くの作品に見られる疎外感〈精神障害)と起因する社会という主題を扱い、効果的に提示されている。

作品は三カ国語で上演される。広東語、日本語、そして英語。これ自体も興味深いことであるが、さらに我々が皆同じであり、我々が繋がっていて、我々が住む世界から影響を受けているという考えを想起させる。何が起こっているのか常には分からないまま物語を追いかけ、自分なりの解釈を役者の身体性と自分の想像力から立ち上げるのは楽しめる挑戦であるが、むしろ「安心」が必要な人のために壁に英語の字幕が投影される。

「パニック」は演出から衣装、小道具まで全体を通してミニマリスト的手法を使用している。このため、劇団員たちは主題や物語を伝え、演じるために想像力を働かせなければならないが、彼らはこの課題に対して見事な答えを出した。ショッピングカートを除けば、使われるのはトイレットペーパーのみであり、必要な小道具は携帯電話からビール、ドライヤーまで全てこれを使い、遠回しに、結局の所、こういった物質全てに実は意味はなく、「流されてしまう」ものであると表している。

作品に対する感想に影響を与えるわけではないけれども、舞台上の俳優たちが観客に対して演じることへの喜びで輝いているのを見るのは楽しいものである。初日の夜、「パニック」の上演後の拍手はかなり長い間続いたが、それにふさわしいものであった。

翻訳:K.K

https://theatrepress.com.au/2014/09/26/review-revolt-presents-panic/


4:ジェイムス・ジャクソン評

日本人作家、安部公房の短編を元にした「パニック」は強烈な動きと素晴らしいセリフおよび物語を融合させた力感あふれ、高度に身体的な作品である。

物語は不思議な仕事を与えられた失業者を中心に展開する:飲み屋である男と会い、酔っぱらえというのだ。主人公が暗い部屋の中、死体の横で目覚めたときにパニックが始まる。

劇場となった洞窟のようなRevoltが謎めいた雰囲気を作品に加える中、我々を出迎える積み上げられた4つのトイレットペーパーの塔は、作品を通して様々な物の代役の役割を果たすものである。電話から、目になり、財布そしてお金になりーートイレットペーパーは物質にあふれた使い捨ての社会に対する考えを提示していく。この手法を通して、「パニック」は強欲や自暴自棄の行為に対する批判を提示し、我々が生き抜くために何処までいくつもりなのか、という疑問を手遅れになる前に投げかける。作品の終わりでは、非常に興味深い代案と、犯罪の必要性に対する意外な見方を提示してくれる。

広東語と日本語、英語による「パニック」の上演中には劇場に英語字幕が投影される。作品に対して信じられないほどひたむきな演者たちの上演を通しての極限まで献身により、作品はとてつもなく面白く、時に恐ろしく、時に爆笑を誘う、時に美しい場面に満ちあふれる。

全体的に見て作品の技術面は素晴らしかった。効果音も良く、衣装はとても奇抜であった。この作品はとても独創的で、このフリンジを体験するのに非常に素晴らしいものである。「パニック」の上演は9月28日まで、これは見逃してはいけない。

翻訳K.K

http://aussietheatre.com.au/reviews/melbourne-fringe-panic#.VChR2ZnQr4c


 2015年 東京公演 vol.22「遺すモノ~楢山節考より~」】
演劇最強論-ing マンスリープレイバック 2015年10月
演劇ジャーナリスト:徳永京子氏 藤原ちから氏 対談

徳永 素晴らしい作品だったので、ちょっと話をさせてください。THEATRE MOMENTSは、もう10年以上活動されている集団なんですけど、私が存在を知ったのは一昨年、審査員をさせていただいたせんがわ劇場演劇コンクールがきっかけです。特徴は、ひとつの小道具を徹底的に使いこなすこと。たとえばトイレットペーパーを手紙や包帯、立ち入り禁止のテープ、あるいは積み上げて柱、ジャンクな商品のシンボルなどさまざまなものに見立てて戯曲と絡め、俳優さん達がすごく高いスキル──伸ばしたトイレットペーパーを誤って切ってしまうことが絶対にないんです──で見せていく。既存の小説や戯曲をベースにしているのでせりふはありますが、ノンバーバルでも行ける感じ。  つまり印象としては、演劇よりパフォーマンスに近い。演劇のほうがパフォーマンスより高尚ということはないので、それで全くいいと思っていたんですが、新作の『楢山節考』が、手法はこれまでと同じなのに、完全に演劇でした。かつて日本にあった姥捨ての風習と、貧しい山村の暮らしが、登場人物それぞれの鮮やかな描写とともに見事に立ち上がっていたんですよね。俳優さんの身体能力が高いことはわかっていましたが、実は演技力が相当高いこともわかりしまた。今回の小道具は、さまざまなサイズの木枠だったんですが、引き戸や家具、体を縛る縄、姥捨の山の道を覆う木々などになって、こちらも見事でした。  小説とも映画とも違う、舞台ならではの『楢山節考』だったと思います。観た人がきっととても少ないので、国内外で上演を重ねてほしいと強く思います。

藤原 THEATRE MOMENTSはどこを拠点に活動されているんですか?

徳永 東京だと思います。演劇コンクールで優勝してから、せんがわ劇場で上演する機会が増えているようです。中心メンバーは、構成と演出の佐川大輔さんと俳優の中原くれあさんで、集団創作をしているようです。

http://www.engekisaikyoron.net/playback201510/


 2016年 マカオ公演 「遺すモノ~楢山節考より~」】
Theatre Cross Strait Four Regions Artistic Exchange Project 2016
マカオ日報 20161124
神も泣いた 「楢山節考」を見て  劇評家:李宇樑

日本政府が最近公表した資料によれば、80歳以上の日本人はすでに1千万人の大台を突破し、2060年には65歳以上が日本の総人口の40%に達するという。日本は老齢化という深刻な社会問題に直面している。

「楢山節考」は深沢七郎が1956年に書いた小説で、日本の習俗としての棄老をテーマとしている。1983年、2度目の映画化では今村昌平が監督をつとめ、名作とうたわれた。物語が描くのは貧しい寒村で、村人らは米のかわりに粟を食ってしのぐ。70歳になると、まだ達者に働けても長男におぶさり楢山まいりをせねばならぬ。みたまを山の神にお返しするとは美名にすぎず、実のところは働きのない老人を山深くに捨て去って死ぬに任せ、貧しい家の口減らしをするのである。楢山まいりは適者生存の掟であった。物語の主人公69歳のおりんは、長男が後添いを得、孫も嫁をめとった。一家はふたりも余分に養わねばならず、気がつけば冬を越すに事欠くこととなった。孫の嫁が子をはらんだが、この地の習いでは赤子ができても口減らしに捨てるしかない。まだ達者なおりんではあったが、自分が死ぬことで赤子を生かそうと心を決め、楢山まいりを早めることにした。自らの死の尊さゆえに、楢山に行くその日にはきっと大雪が降るものと思った。言い伝えによれば、雪が降ると運がよいのだ。

SPACE FOR ACTINGが主宰する4地域小劇場共同公演に、日本のTheatre Momentsは小劇場版の「楢山節考」を携えてきた。その冒頭の処理からして演出のたぐいまれな巧みさがあらわれている。演出を手掛けた佐川大輔は絵本(紙芝居)をつかって物語の幕を開け、朗々とした解説に沿って画架から絵を抜き取ってゆき、最後の1枚を抜き取ると、絵の木枠の向こうから物語の主人公のおりんがにこにこと姿をあらわす。本来は悲劇の色濃い説話を軽快なタッチでスタートさせることにより、観客は物語の悲劇性を客観視できるのである。

舞台は簡素で、演出は7名の役者がそれぞれの手にサイズの異なる木枠を持ち、これを使って物語の背景やイメージ、雰囲気を作っていく。木枠の使い方は変化に富んでおり、部屋の引き戸になったかと思えば、泥田を耕す農具や引き車に早変わりする。さまざまな組合せ方で、いろんなイメージを作り出していく。役者は芸達者で、手足の動きもしなやか、きびきびとしてリズム感がある。ボディラインと動作と木枠を縦横無尽に使い、照明・音声が絡み合って劇場全体、物語全体のリズムを作り上げる。そうして、1枚また1枚と白い画用紙が死を待つおりんの体の上を真っ白な雪のように覆うとき、そこにあらわれる凄絶なまでの美は、簡素でありながら創意に富む。

上演した小劇場の照明と音響に特別な設備は何もないが、演出はそれらの設備機能を最大限に生かして、ごく限られた備品を使いながらすばらしい照明効果をあげ、音声効果の処理も細やかでメリハリがきいており、演技に使える空間を使い尽くして、小劇場がもつ演出上の制約を感じさせない。小劇場の核心的価値は、ミニマムからマキシマムを創り出し、制約から無限を実現するところにある。演出家はこれを知り尽くしており、「楢山節考」は小劇場での演出テクニックの模範作と言える。演出家はテクニックを芸術の域に高めて物語原作を忠実に再現しており、みごとと言うほかはない。物語を通して人間性と社会に対する厳しい問いかけができていて、上演の意義はさらに高まる。

神が造ったいのちが尊ばれないとは、どういうことか。「楢山節考」が人をぞっとさせるのは、人が自然に老い衰えて亡くなるのではなく、年齢でもって人の生存価値が決められ、いのちが嘲笑の的になることだ。物語は時代背景を特定していないが、ひょっとしたら楢山まいりの適者生存の掟は我々と決して無縁なものではなく、現実世界の中に存在し続けており、資本主義社会の退職制度に姿を変えているのかもしれない。達者であっても、ある年齢に達すると退職させられ社会の重荷となってしまうのである。

物語の中に「楢山節」という唄がある。

「楢山まいりの3度目が来れば
まいた栗から花が咲き
塩屋のおとりさん運がよい
山へ行く日にゃ雪が降る」

 

まだまだ達者なおりんが山奥に捨てられて死を待つその日、はたして天から大雪が降った。それは雪なのか。むしろあるいは神が泣いているのではないか。

翻訳:泉ユキヲ


 マカオ日報 2016128
「楢山節考」 古い枠組みを破り、新世代の覚醒をうながす 劇評家:李 

英国のEU離脱は多くの論者をひどく驚かせたが、その後のデータ分析によれば、35歳以下の英国の若者たちは68%が英国のEU残留を望んだにもかかわらず、65歳以上の老年者はEU残留支持がわずか36%だったことがわかった。このためEU離脱国民投票は多くの人たちから「世代間の争い」と称された。さきの米国大統領選挙も、トランプ氏の勝利が人々を驚かせたが、事後の統計発表によれば65歳以上の選挙民の53%がトランプ氏に票を投じていた……などなど、世の中を見渡せば英国・米国の事例は決して偶然ではなく、世界をおおう危機的な騒ぎは、まさにこの「世代間の争い」が広がったことのあらわれであり、これを背景として「楢山節考」という演劇を見るとき、舞台を離れても大いに考えさせるものがある。

SPACE FOR ACTING(マカオ)の主催する「2016年度小劇場芸術交流計画4ヶ国共同公演」が先ごろ佰家文化創意空間で行われた。東京のTheatre Momentsが携えてきた「楢山節考」は、日本の作家・深沢七郎(1914~1987)の同名の小説を脚色したものである。1956年に深沢七郎は短篇小説「楢山節考」でデビューを果たし「中央公論新人賞」を受賞して文壇に躍り出た。戦後世代の作家として、深沢七郎はふるさとに伝わる伝承と伝統民謡にインスピレーションを得、時代の宿命的な悲劇を顧みた。その後、小説は日本の木下恵介監督と今村昌平監督によってそれぞれ1958年と1983年に映画化され、木下作品はその年の「キネマ旬報」で年度ベストワンに輝き、今村作品は1983年のカンヌ映画祭でグランプリ「パルムドール賞」を受賞して世界にその名を知られることとなった。

そしていま同じ物語がTheatre Momentsの手の中にある。いかなる舞台が繰り広げられるのだろうか。

上演冒頭は先ず日本伝統の紙芝居の形式をつかって「楢山節考」のあらすじに触れながらギャグを交えて気分を盛り上げ、劇場空間の雰囲気を作り出し、同時に原作をよく知らない観客に芝居の基本的な流れを理解させる。行き届いた仕掛けだ。紙芝居の最後の1枚が引き抜かれると、木枠の後ろにいた女優が即座に若いころのおりん婆に姿を変え、「楢山節考」の物語が自然と流れはじめる。

上演の基本線は原著の流れに沿っているが、明らかに加筆したところが2ヶ所あるのに気がついた。

そのひとつは山に行く前夜の場面である。原作でこの場面は簡単な記述にとどまり、銭屋宅の老父の又やんが辰平宅に逃げ込んだあと、おりんに さとされて戻ってゆく。しかし舞台版ではこの場面のディテールが豊富に加筆されており、又やんが辰平宅に逃げ込んだあと、おりん親子とひとしきり言い争いをし、おりんの「しきたりを守れ」という勧めに対して又やんはこんなふうに反論する。「むかしそういうしきたりが出来たのは食うに困ったからだ。いまは食いものがないわけじゃない。なんでしきたりを変えちゃいけないんだ」「おれたちの代からはしきたりを改めよう」という訴えを聞いても、おりんはついに受け入れようとしない。

疑う余地なく、いかなる基準で論じても、おりん婆はつけいるところのない「お手本」だ。おりんは子の辰平を心底だいじに思い、嫁がなくなると、力を尽くして後妻を探し向こう村から後家の玉やんを迎え入れ、女当主としての座も明け渡し、魚とりの妙技までも惜しげもなく伝えてやる。母たるものかくあるべしである。おりんは伝統を守り しきたりに従いつつ実に「大局観」をもっており、自らが山に送られ捨てられる運命にあることを拒もうとせぬばかりか、むしろ心からそれに合わせていこうとする。はたして、この偉大なる母がその身をもって守りぬき全うしようとしたのは、一体いかなる世界なのであろうか。

原作小説の末尾は、辰平が家に戻りつくと、長男とその嫁がいかにも嬉しそうに祖母の着物を身につけてはしゃいでおり、祖先を慕い思う気持ちなど露ほども見せぬ様子を見て、哀しみのうちに山にのこした母への思いが一層つのるという場面だ。舞台版の台本では話はここで終わることなく、さらに最後にこのような一節が加えられる。

「25年が経ち、70歳の辰平もまた山へ行かねばならない。山の上のおりんがもしまだ生きているとしたら、今ごろ何を思っていることだろうか」

この問いかけは、脚本家のペンに神が舞い降りてきたと言って過言ではない。脳裏に想像が押し寄せるではないか。まさにその時、年老いた辰平は、わがままで自分勝手で情け容赦のない長男に負われて楢山に向かうのである。辰平が母を送ったときのような、名残を惜しんで一歩ゆくごとに三度振り返るといった光景は決して繰り返されることはない。むしろおおかた又やんのように、子に負われて七谷に来たところで谷底に突き落とされることになるのであろう。わが子を深く愛した母おりんが、わが子を待ち受けるであろうかくも悲惨な運命をもし知ったとしたら、その思いたるやいかなるものであろうか。おりんは悔やむだろうか。あのとき隣家の老人の「おれたちの代からはしきたりを改めよう」という呼びかけに自分はなぜ応じず、理に合わぬ古いしきたりを打ち破ろうとしなかったのかと。

ここで特に注目したいのは、劇団が題材に沿ってテーマ小道具として「木枠」を使い、「しきたりの枠組みをうちやぶる」という趣旨の隠喩として用い、舞台上で千変万化の効果をあげて、深い印象を残したことである。

深沢七郎が1956年に「楢山節考」を描いてから今に至るまで既にまるまる60年が過ぎ、世の中はさまざまに変化した。人類は第二次大戦の戦火から徐々に復興し、人口は増え経済は離陸したが、グローバル政治経済発展モデルが色あせるに従い、今日の世界は先の見えない騒乱や不安感で満ち、争いごとも世代間のみならず異性間、人種間、宗教間でも頻繁にぶつかりあっている。今日の視点でこれらを見据えれば、「楢山節考」のなかの老年者は文字通りの意味を超えてひろく「弱者」を包含するものと言えよう。人類文明の進歩は、強者が弱者を包みこみ受け入れ助け合うものでなければならない。とくに、満たされない思いが広がり、競い合いが日々激しさを増す今日においては、互いが手を取り合い心を通わせ、古い考え方の枠組みを打ち破って新たな出口を見出していかねばならないのである。

今日の老人はかつて青年であり、今日の青年はいつか老人となる。いずれの世代も、背負った責任から逃れようとするなら、それによって害をこうむるのは自分自身であり子や孫の世代である。恐るべき「楢山世界」に陥りたくなければ、「おれたちの代からはしきたりを改めよう」という勇気と知恵を皆が持たねばなるまい。たぶんそれだからこそ、木下恵介や今村昌平、さらには劇団Theatre Momentsに至るまで(さらにはマカオの作家である周桐亦(しゅう・どうえき)もこの物語をもとに「楢山盟(=楢山の誓い)」という小説を書いているが)、「楢山節考」の物語が異なる世代の作家たちによって繰り返し語り直され、時が経てば経つほどますます新たな今日的意義が加わり、尽きることのない思考と反省へといざなうのである。

翻訳:泉ユキヲ


2004年 東京公演vol.4 「幸福な王子」】
「幸福な王子」を観劇してくださった古城十忍氏の劇評

主宰する劇団の女優が出るというので、ほとんど義理でさほどの期待もなく観にいった『幸福な王子』。これが予想を裏切って目を見張る新鮮さ。思わず知らず引き込まれた。ちょっとした俳優の動きや小道具の使い方で、いろんなタイプの人間、動物、植物さえも次々に目の前に現れてくる。アイデア満載。シンプルにして豊か。何より体の使い方が素晴らしい。この舞台には「観客が想像する楽しみ」という演劇の原点が存分にある。あの切ない童話がわくわくするようなフィジカル・シアターに生まれ変わる。頭の固い大人が観ても、小難しい理屈とは無縁の子どもが観ても楽しめる。「THEATRE MOMENTS」、役者のアンサンブルも申し分ない。僕は迷わず太鼓判を押す。

劇作家・演出家・一跡二跳主宰 古城十忍


2005年 東京公演vol.5 「時間の物語」 】
「時間の物語」を観劇してくださったイクバル・カーン氏の劇評

演劇とは特別な魔法を持っている。それは変化、変形の魔法だと思う。そしてこのカンパニーはその魔法を有り余るほど備えている。(アンサンブルとして)役者たちはパフォーマンスのテキストを良く知られている話を元に自分たち自身で考案しているが、そのストーリーテリングの手法には、ただの「物」がびっくりするようなものに変化するということが常に含まれている。例えば、5本の傘がヘリコプターや車になったり、幾何学的なデザインを現したり、そして役者たちの体がシュールな「時計の家」や理髪店、その他の色々なものに美しく変化を遂げるのである。 シアターモーメンツはまだ比較的若いカンパニーではあるが、大胆さとオリジナリティーを持ち合わせた主催者であり演出家でもある佐川大輔の指導のもと、このカンパニーの技術的な成長には著しいものがある。彼らのような活動形態の公演では、作品のレベルが一様に保てないということがしばしば起こる。限られた時間でのリハーサルと人的・物理的資源では、作品がワークインプログレスのような状態になってしまうこともある。しかしそのような環境の中で最高のものを創り出し、またこの「時間の物語」は間違いなく素晴らしい出来であったと言える。どの年代の人でも受け入れられ、優しさと楽しさ、そして心温まる情緒豊かなアイデアに溢れる作品である。

イクバル・カーン(英国人・演出家) 〔翻訳 平中早智子〕

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